Cada álbum de Wilco siempre promete una sorpresa, eso bien lo sabemos. Tal como fuera lo de la publicación hace un tiempo de “Star Wars” (vaya título) que estaba lleno de un feroz ajetreo de guitarras psicodélicas, este reciente “Schmilco” representa a su vez un cambio total de estilística musical sino lírica de parte de los de Chicago.
Su nombre es un guiño a Harry Nilsson y su portada es como una animación de caricaturas en tanto a como un niño entendería el poder de la electricidad y la música. Nada de mal para sorprender, pero lo que de verdad asombra es que no podría ser menos eléctrico y más diferente del disco inmediatamente anterior, esto considerando que fue registrado prácticamente en las mismas sesiones.
“Schmilco” no es la segunda parte de una eventual trilogía de “Star Wars”, ni siquiera un complemento, aunque podríamos ensayar que es una respuesta directa a aquel. ‘Normal American Kids’, la apertura, es una melodía acústica, a-la-Dylan por cierto, sobre ser un niño solitario cuyos intereses están totalmente alejados del de los niños estadounidenses normales o promedio. Esto parece ser biográfico y enraizado en la experiencia del propio Jeff Tweedy como un púber. El tono de este tema se explaya en la que le continúa, la más Lennoniana y mejor acabada ‘If I Ever Was a Child’, otra regresión a un escenario infantil. Hasta aquí no hay mucho más que unas pocas guitarras acústicas, el pedal steel y obvio que aunque más marchosa ‘Cry All Day’ sigue en la misma línea.
Por otra parte temas como ‘Common Sense’ se arman de una rítmica hipnótica con un aire de experimental que recuerda a Eels, mientras que otros como ‘Nope’ tiene un tono de rock más fresco y tradicional, un blues que podría fácilmente evocar a The Doors. Luego de esta figura el primer break eléctrico en una llamada ‘Someone to Lose’ y la vuelta al alternativo acústico arrastrado tan clásico de los noventa en la sombría ‘Happiness’.
La repetitiva y obstinada ‘Quarters’ es un poco más que un efecto de percusión poco convencional que hacia el final se diluye en su intento de ser más canción. Tal como sucede en ‘Just Say Goodbye’, como otro ejemplo de esas canciones de una composición interesante que pareciera fuera a crecer magnífica y termina desvaneciéndose en una materia sin tanta densidad. Sí lo logra ‘Locator’, que aunque es un tema extraño, se parece a su manera a ‘Come Together’ de The Beatles. De hecho, el factor Beatles, vía John Lennon, es una cuestión fácilmente detectable en todo este álbum: una mezcla de raíces americanas y sensibilidad pop. Uno de los puntos altos del disco que sin embargo se difumina en un inexplicable fade out. Casi al final, ‘Shrug and Destroy’ refleja el andar cansado de “Schmilco”, entre monótono y agradable de escuchar, cosa que algunos con todo derecho describirían acaso tedioso.
Este décimo álbum de Wilco es uno de los más personales y nostálgicos que el grupo haya facturado a la fecha. Es una vuelta completa a la forma tradicional de la banda y a sus raíces de tonos más suaves del medio oeste norteamericano. Pero “Schmilco”, más que el cliché de volver a las raíces del Chicago que vio crecer a los Wilco, es un disco de una sensación de nostalgia extraordinaria en el que el mismo Tweedy que comienza su relato con el canto de su infancia, la de sentirse un inadaptado, posteriormente reflexiona sobre su vida como un adulto - adicciones, aflicciones por la pérdida de algún ser querido, la política y más de alguna de esas cosas de hombre grande como aquellas entonadas en ‘We Aren’t The World’, la negación de la inocencia anteriormente sugerida.
En definitiva, Wilco ha madurado más de la cuenta aún creando una colección de canciones muy sencillas, pero elocuentes, uno que en todo caso muy difícilmente logrará atraer a nuevos fans. “Schmilco” es el ángulo mas artesanalmente folky-holgazán que podríamos esperar que Wilco trazara a estas alturas.
Suicidal Tendencies es una banda estadounidense de Thrash metal formada en 1981 en Venice, Los Ángeles.
A veces citados como uno de los grupos pioneros del crossover thrash, porque más tarde incorporaron elementos del thrash metal a su música Hardcore Punk.
Suicidal Tendencies también es caracterizado por usar siempre una vestimenta de cholo en los escenarios y por formar parte de su imagén, algo núnca antes visto en un grupo de rock y/o metal.
El Gobierno del presidente Nicolás Maduro manifestó este miércoles, en un comunicado, su rechazo en contra a la agresión de la que fue víctima el ciudadano venezolano Carlos Díaz, golpeado e insultado por efectivos policiales de Chile.
Díaz, quien reside en Santiago de Chile, recibió la golpiza tras intentar actuar en defensa de un ciudadano originario de Haití que era tratado violentamente por funcionarios policiales de Chile, reseñó AVN.
"El Gobierno de Venezuela exige al Gobierno de Chile una exhaustiva investigación sobre este caso, y determine las responsabilidades a que hubiere lugar por uso excesivo de la fuerza pública y detención arbitraria de un ciudadano venezolano, vulnerando gravemente sus derechos fundamentales", señala la misiva emitido por la Cancillería venezolana.
A continuación comunicado íntegro:
REPÚBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA
MINISTERIO DEL PODER POPULAR PARA
RELACIONES EXTERIORES
COMUNICADO
El Gobierno de la República Bolivariana de Venezuela ha tomado conocimiento, con profunda preocupación, de la reciente y brutal agresión policial perpetrada contra el ciudadano venezolano Carlos Díaz por la acción desmedida de funcionarios Carabineros de Chile.
La República Bolivariana de Venezuela, fiel a su compromiso internacional con la promoción, protección y defensa de los Derechos Humanos, repudia categóricamente esta acción policial que evidencia una explícita violación a los derechos de nuestro connacional que intervino para preservar la integridad física de un ciudadano haitiano sometido también a un violento y desproporcionado procedimiento de detención, siendo ambos víctimas de vergonzosos insultos y discriminación racista y xenofóbica.
El Gobierno de Venezuela exige al Gobierno de Chile una exhaustiva investigación sobre este caso, y determine las responsabilidades a que hubiere lugar por uso excesivo de la fuerza pública y detención arbitraria de un ciudadano venezolano, vulnerando gravemente sus derechos fundamentales.
De igual forma, requerimos del Gobierno chileno una explicación oficial sobre estos reprobables hechos, de igual modo aprovechamos la presente para recordar que nuestro Gobierno aun aguarda por las obligatorias resultas ante el trato racista sufrido por el ciudadano venezolano Emilio Rentería en noviembre de 2014.
La República Bolivariana de Venezuela, al tiempo que manifiesta su preocupación por estas expresiones de xenofobia entre hermanos suramericanos, que son producto del odio y la intolerancia, hace un llamado a las autoridades competentes para que actos de naturaleza cruel y degradante no se repitan.
La Coordinadora Nacional de Inmigrantes rechazó este lunes los dichos que la diputada Paulina Núñez (RN) realizó el día de las elecciones municipales al criticar a su rival, Karen Rojo (ind), y asegurar que “es una vergüenza que llegue acompañada por más colombianos que chilenos”.
La diputada RN Paulina Nuñez encendió la polémica luego de emitir dichos que han sido considerados xenófobos por usuarios de redes sociales, todo tras emitir su voto en el Liceo Técnico de Antofagasta.
La parlamentaria cuestionó el respaldo de sectores de inmigrantes de la ciudad que ha recibido una candidata, a la que no mencionó, pero se trataría de la aspirante a la reelección, Karen Rojo.
La diputada agregó que busca “un cambio para nuestra ciudad y por lo tanto tenemos que en dos minutos, que es lo que nos estamos demorando aproximadamente, marcar ese cambio, sufragar y cambiarle los destinos a la comuna”, dijo.
A través de un comunicado de prensa, la entidad, que reúne a 32 agrupaciones de inmigrantes, califica a las declaraciones de la parlamentaria de “menosprecio” a la participación electoral de los extranjeros.
“Escuchamos las declaraciones de la diputada de Antofagasta, Paulina Núñez, menospreciando y denostando con ello la participación de la comunidad inmigrante en el proceso electoral, ello al hacer una afirmación que llamaba a los antofagastinos, enfatizando que se refería a los chilenos y luego cuestionó que una candidata fuera a votar acompañada con extranjeros. En la tarde reiteró sus afirmaciones y cuestionó al presidente de la Colectividad de Colombianos Residentes en Antofagasta, Benjamín Cruz, organización que es parte de la Coordinadora Nacional de Inmigrantes Chile, puso en tela de juicio su condición de dirigente y le desconoció su legítimo derecho de opinión y expresión pública. Con lo que agredió a toda la comunidad inmigrante”, manifiestan.
Asimismo, agregan que dichas afirmaciones “llegaron a desconocer la valía de nuestro derecho a sufragio, derecho que nos reconoce la propia Constitución, particularmente al señalar que para ella sólo los chilenos deben elegir a las autoridades”.
Agregan que las declaraciones de Núñez son “impropias de una autoridad, ya que incitan a la discriminación y con ello al odio y la xenofobia. Nosotros expresamos así nuestro total rechazo a las mismas, demandando la rectificación y disculpas correspondientes”.
Finalmente se refirieron a la Colectividad de Colombianos en Antofagasta señalando que “les expresamos nuestra solidaridad, les reiteramos nuestro reconocimiento por la destacada labor que hacen en favor del pueblo inmigrante y de todo el pueblo de Antofagasta en general, alentándolos a seguir adelante con ella”.
Estas últimas elecciones municipales (para qué engañarnos) eran una especie de crónica anunciada, ¿verdad que sí? Se sabía que la abstención sería alta, por sobre el 60%, así como también existía una razonable dosis de certeza respecto de la baja electoral de la Nueva Mayoría. Por ello, lo ocurrido el domingo 23 de octubre no puede haber extrañado a nadie… al menos, a nadie que estuviese medianamente informado.
No cabe duda que el gran derrotado fue el oficialismo, en especial el actual gobierno. Alguien dirá, contra argumentando, que el verdadero perdedor fue Chile, pues la abstención alcanzó el 65%, convirtiéndose este hecho en el principal personaje de los comicios. De ahí en más, se dispararon inmediatamente los análisis y explicaciones respecto de los por qué del ausentismo. ¿Hay que responsabilizar a los ‘abstencionistas’ por la sonada derrota de la Nueva Mayoría en estos comicios? ¿Si hubiese participado el 90% del padrón electoral, los resultados habrían sido diferentes?
Acreditar en esta última versión bien podría ser el vano intento de tapar el sol con un dedo, pues los comentarios de mucha gente apuntan al gobierno y a la Nueva Mayoría como causantes principalísimos de la debacle electoral, y por tanto, se les considera también responsables de la alta abstención.
Tal vez el comentario de un lector del diario El Mercurio (sí, El Mercurio) esté dando en pleno clavo: “A los que no votamos por segunda vez, no nos va a convencer un populista y menos Lagos, el factor que ninguno de estos iluminados analistas considera es el recambio de rostros, que se vayan todos estos niños símbolos de todo lo malo de la política, Lagos, Bachelet, Piñera, Frei, Navarro. Girardi, Escalona, Tohá, etc. Alejandro Guiller tampoco va a convencer a nadie pues es otro más de la Nueva Mayoría, esto es lo que tienen que considerar para la presidencial: gente nueva y no estos que nos gobiernan y salen todos los días en la tele, pero no muestran sus manos”. Suscribo plenamente las palabras de algunos comentaristas de artículos de prensa cuando expresan que no son partidarios del voto obligatorio, pero explicitan quela falta de enseñanza de la educación cívica en escuelas y colegios está dando sus frutos y si, además, se sigue adelante con reducir las horas de enseñanza de Historia y se pretende eliminar la asignatura de Filosofía, más pronto que tarde “terminaremos como los mandriles” (sic).
¿Se da cuenta? El problema es de fondo, y pareciera que el panorama no cambiaría sustancialmente con una mayor participación en comicios. Muchos culpan a los rostros, a los mismos de siempre (que obviamente tienen altos grados de responsabilidad en el fracaso), pero omiten referirse a lo fundamental: al sistema neoliberal salvaje, verdadero fulminante de la problemática que aqueja a Chile… y a la política de hoy. Más allá de cualquier disquisición, lo concreto es que el gobierno se encuentra hoy con tan sólo un 25% de popularidad, lo cual se reflejó crudamente en las elecciones edilicias, y estas, a su vez, simularon ser una encuesta más, un anticipo de lo que podría suceder en los comicios parlamentarios y presidencial del año venidero.
“Hay que escuchar a la ciudadanía”, expresó Ricardo Lagos al terminar el proceso electoral una vez conocida la derrota del oficialismo. Con la rapidez de un rayo don Ricardo aprovechó la instancia para presentarse, de golpe y porrazo, como el líder natural que su coalición requiere. Pero la gente ya no le cree -a él ni a su coalición-, pues muchos recuerdan que lo mismo dijo poco antes de la segunda vuelta electoral el año 1999, cuando escuchó sólo al empresariado.
En las filas de la Nueva Mayoría se oía ayer un lamento repetido hasta la saciedad, pues los dardos eran disparados contra quienes –durante meses- prefirieron criticar y aportar ideas vía redes sociales: <> Pero, quienes poseen cierto grado de información, replican argumentando que esas personas de la Nueva Mayoría pretenden contar con el apoyo de todos los adherentes de izquierda, independientemente de los robos, corrupciones y traiciones efectuadas a diario por la coalición oficialista. La respuesta se conoció el domingo 23 de octubre. Fue un rotundo NO. Y si nos aferramos a la realidad, es muy posible que siga siéndolo.
El castigo ciudadano fue sólido, y alcanzó no sólo a las tiendas partidistas del gobierno sino, también, a todas las del espectro duopólico, pues en cualquier análisis que se efectúe es necesario considerar un elemento relevante: han sido muchos los candidatos independientes, y muchos también los que lograron el triunfo desde esa trinchera, cuestión que en gran medida viene a dejar profundas señales del nivel de deterioro en que se encuentran los partidos políticos que podríamos llamar “primos hermanos” en la sociedad de intereses para esquilmar el país y su erario.
En su cuenta de twitter el escritor Jorge Baradit, expresó: “El electorado NM (Nueva Mayoría) e izquierda castigó a sus corruptos. El de la Alianza no”. Ya lo dijimos alguna vez, a la derecha la une un objetivo común (y ese objetivo no se entorpece ni siquiera con los robos y chanchullos), mientras la izquierda no cuenta con un objetivo que sea común para todos los grupos y referentes que conforman hoy el archipiélago en que se ha convertido, pues carece incluso de programa único, lo cual facilita que en el bloque de gobierno se impongan los requerimientos e intereses de sectores pro derechistas, como es el caso del PDC y del PPD.
Esa factura, tarde o temprano, el pueblo la cobra. Por ello se produjo lo que se produjo, una alta abstención que permitió al 30% del 35% del padrón electoral elegir las autoridades comunales del país.
Si la gente fue tempranamente abandonada por sus representantes, si el pueblo fue mandado de paseo por la coalición que él mismo coadyuvó a forjar con propia sangre… ¿se le puede impetrar a ese pueblo una lealtad insana que va más allá de la moralidad política alcanzando las riberas de la traición y la delincuencia?
Desde ahora y hasta el año 2020, en materia municipal, un contingente de la minoría sonríe y se abraza porque administrará la mayoría de los 345 municipios del país, mientras el otro contingente de esa misma minoría rasga vestiduras y vierte cenizas sobre sus cabezas.
En el video puede verse una realidad social que se vive a nivel mundial y que desde la educación podemos lograr cambios notorios de esas realidades, según Paulo Freire nos dice que La Educación Popular debe entenderse como un aporte a las luchas y organizaciones populares.
Una herramienta más que forma parte de esas luchas. Se trata de potenciar lo que la vida diaria, las luchas que llevamos adelante, nos enseñan. Siendo sus objetivos principales:
1) que más y más personas estén en condiciones de pensar y desarrollar estrategias orientadas al triunfo del proyecto popular.
2) que las luchas y organizaciones populares sean más efectivas y democráticas.
Lo que hace popular a algún tipo de educación es su: sentido u orientación.
Si lo hacemos en el campo, o en la ciudad; si lo hacemos con estudiantes de escuelas, colegios, institutos y universidades o con campesinos, y obreros, líderes comunales, analfabetos; con gente pobre o con gente que no es pobre, siempre será educación popular si su sentido y orientación siempre es la Transformación social.
En obvio reconocer que la transformación social es el proceso (no el estado ya terminado o final de algo), en el que van ocurriendo cambios importantes, cambios que son buenos y valiosos para todos y todas (no sólo para unos cuantos). Transformación social es lograr que cambien cosas que afectan o dañan a las personas; por ejemplo, la injusticia Económica y social, los modelos de dominación que crean dependencia, la falta de educación, la falta de servicios de salud, vivienda o carreteras.
Pero también es ir cambiando situaciones en las que la gente no estudia, no participa, la usan o la engañan, etcétera. En ese sentido, entrega a los educadores populares un norte claro o mejor dicho un sur claro: la disposición a trabajar por la construcción de una nueva sociedad, sin excluidos, donde exista la posibilidad y la oportunidad de una vida digna para todos y todas. Esto supone un entendimiento claro y a fondo sobre el proyecto social dentro del cual se inscribe y de las acciones a través de las cuales los actores se empoderan (poder popular) para luchar por esa transformación.
Por ello que en el Video Constructor de Sueños, Paulo Freire nos hace una invitación a todas y todos los educadores a estar atentos, profundamente atentos y atentas a nuestras acciones diarias que generan procesos de reproducción o transformación de la realidad, por lo tanto, requerimos estar consciente y en permanente evaluación para a aprender a distinguir mecanismos reproductores de exclusión e injusticia y aprender a construir estructuras de inclusión y justicia social; aprender a distinguir mecanismos transculturizadores y aprender a construir espacios de cultura; aprender a descubrirnos en la inercia reproductiva de sistemas ajenos a nuestra identidad y nuestros sueños y ayudarnos a ser realmente transformadores, en camino hacia la sociedad que soñamos y que hemos elegido como pueblo.
Ya casi se cumplen nueve meses de la muerte de David Bowie, y el segundo box set recopilatorio editado por Parlophone, “Who Can I Be Now? (1974-1976)” ya está en las estanterías.
Tras la revisión del período estrictamente británico, contenido en “Five Years (1969-1973), esta nueva caja se centra en los discos registrados por Dave durante su estadía en Estados Unidos. Los tres gloriosos álbumes de estudio que se incluyen (y que no requieren de presentación alguna) ya habían sido remasterizados por primera vez como parte del catálogo EMI en 1999 (dejando de lado los bonus tracks de las reediciones lanzadas por Rykodisc en 1991) y por segunda vez en 2004 (“Diamond Dogs 30th Anniversary”), 2007 (“Young Americans”, con bonus tracks), y 2010 (“Station to Station Deluxe Edition”, junto al en vivo “Nassau Colliseum 1976”). Por su parte, el muchas veces vilipendiado “David Live” ya había sido mezclado nuevamente por el mismo Tony Visconti en 2005, con nuevo orden y bonus tracks.
“The Gouster”, el supuesto disco inédito contenido en la caja, y punto central de su campaña promocional, no había sido publicado anteriormente en ningún formato, simplemente porque no estaba destinado a existir. Se trata de una versión preliminar de “Young Americans”, que incluye solamente las sesiones de agosto de 1974 en los estudios Sigma, mezcladas en Londres por Tony Visconti. Según David Buckley, biógrafo de Bowie, Visconti se sintió decepcionado al enterarse en marzo de 1975 del cambio en la secuenciación de la placa, que dejaba fuera sus tracks favoritos (‘Who Can I Be Now?’, ‘It’s Gonna Be Me’), e incluía dos registros de una sesión improvisada en enero del mismo año, junto a John Lennon, y producida por Harry Maslin. Maslin, quien luego produciría el incombustible “Station to Station”, presenció la gestación de ‘Fame’, como parte de un experimento entre Lennon, Bowie y Alomar. El sentido Visconti ya no tuvo nada que decir cuando Dave obtuvo finalmente su codiciado primer número uno en Norteamérica gracias a ‘Fame’, la cual incluso fue plagiada por James Brown en su single de 1976, ‘Hot’. El álbum, finalmente llamado “Young Americans”, tuvo una influencia fundamental en la revitalización del soul a ambos lados del atlántico, y contenía además dos registros de las sesiones de noviembre de 1974 en Record Plant, New York, como sus puntos altos: la satinada ‘Win’ y la infecciosa ‘Fascination’, compuesta junto a Luther Vandross.
Con todo, la artificiosa inclusión de “The Gouster” (originalmente titulado “Shilling The Rubes”, algo así como “Engañando a los crédulos”), bajo la excusa de conformar un álbum perdido, es injustificable. Los tracks ‘Who Can I Be Now?’, ‘It’s Gonna Be Me’ y ‘John I’m Only Dancing (Again)’, ya habían sido incluidos anteriormente en la edición remasterizada de “Young Americans” en el año 2007, y los mismos tracks, sin remasterizar, habían aparecido ya en la edición de 1991 de Ryko (donde ‘It’s Gonna Be Me’ venía también sin cuerdas). Tal vez lo único rescatable sea la versión preliminar -con otros vocales y arreglos- de la sublime ‘Can You Hear Me?’ y el mix alternativo de ‘Right’ (sin el solo introductorio de Dave Sanborn y con distintos vocales de Bowie). Sin embargo, ambos cortes pudieron haber sido parte de las rarezas de “Re:Call 2”.
En su mediocre afán completista, este disco de descartes y singles remasterizados “Re:Call 2” deja de lado ‘After Today’ y el cover de Bruce Springsteen ‘It’s Hard To Be A Saint In The City’, ambos en el impecable box set ganador del Grammy “Sound+Vision”, de 1989 (y el segundo además en el recopilatorio “The Best Of Bowie 1974/1979”). Con todo, “Who Can I Be Now?” peca donde mismo caía “Five Years” (que omitía joyas como ‘Bombers’) y a pesar de su cuidada presentación, lamentablemente presagia un destino similar para el próximo box set, donde joyas como ‘Crystal Japan’ probablemente se verán excluidas. En palabras de Liam Gallagher, “¿para qué remasterizar algo que ya ha sido masterizado?”.
Red Fang es una banda de stoner rock formada en el año 2005 en la ciudad de Portland, Oregón.
Fundada en 2005 en Portland, Oregón, Red Fang editó sus primeros EP con el sello Wantage USA Records. En 2009, publlican su primer LP, de título homónimo, con Sargent Records/Wantage USA, en el que recopilan sus dos primeros EP, logrando llamar la atención de la industria. En 2011, firman con el sello Relapse Records, con el que lanzan su segundo LP 'Murder The Mountains'. Ese mismo año, forman parte del Metalliance Tour con bandas como Crowbar y Helmet, y serán la banda apertura del escenario Jäggermeister en el Mayhem Festival de ese año compartiendo escenario con Megadeth, Godsmack o Disturbed. A finales de 2011, acompañarán a Mastodon en su gira europea junto a Dillinger Escape Plan.
En 2013, Red Fang lanzan su tercer disco de estudio, titulado 'Whales and Leeches'.
Por casualidades de la vida, en 2016, Red Fang lanzan su cuarto disco de estudio, 'Only Ghosts'.
La reputación de Felipe Garrido, el hombre del cartel se sigue cayendo al suelo. No sólo fue funado por su ex-polola en las redes sociales, sino que ahora otra usuaria de Facebook que denunció la "avivada" de quien fue por unas horas el hombre más popular de la marcha #Niunamenos.
El auge y caída de Felipe Garrido fue vertiginoso y meteórico. Hasta el miércoles, el joven era un completo desconocido. Luego, gracias a que subió una fotografía a torso desnudo a las redes sociales sosteniendo un cartel con un emotivo mensaje feminista, se convirtió rápidamente en un ícono de la marcha “Ni Una Menos” y ganó la admiración de gran parte de las mujeres del país y de la manifestación.
Pero sólo horas después su ex pareja, Francisca Palma, se encargó de funarlo por redes sociales y denunciar que su respeto por el sexo femenino era solo una fachada y que de hecho es un agresor. De inmediato pasó a ser catalogado de “chanta” y “oportunista” y su reputación cayó al suelo.
Y ahora, también a través de las redes sociales, se dio a conocer una nueva información que concuerda totalmente con la versión de Palma y que deja a Garrido como un completo chanta. Según Gabriela Paz, una manifestante que marchó cerca del conocido “hombre del cartel”, la pancarta originalmente no era de él y este la pidió después para sacarse la foto.
“Desde el comienzo de la marcha fui cerca de ese cartel, y en gran parte del recorrido ese cartel lo llevaba otro hombre que estuvo desde el comienzo sin polera. Después llegó el que se hizo famoso con la foto en las redes (el funao) y se sacó la polera y empezó a marchar con el cartel. Pero el cartel no era de él originalmente”, dijo la mujer, que luego adjuntó la fotografía del hombre que originalmente diseñó la pancarta.
El domingo se llevó a cabo la formalización de Cristián Soto, el padrastro de Florencia Aguirre, la niña de 10 años que fue hallada muerta en su propio domicilio el día sábado en Coyhaique.
Durante la audiencia, se relataron los detalles que hasta ahora se han logrado esclarecer por parte del Ministerio Público sobre la cruenta forma en que Soto asesinó a la menor.
El fiscal Pedro Salgado relató: “el día 14 de octubre el imputado se encontraba al cuidado de la menor Florencia Aguirre, de 10 años, en su domicilio de calle Pangal de Coyhaique, donde el imputado vive con su conviviente y madre de la niña”.
“En dicho domicilio, en el periodo comprendido entre las 6 AM y las 21 horas, el imputado procedió a asfixiar a la menor colocando una bolsa plástica en su cabeza hasta que perdió el conocimiento, para luego introducirla en un basurero y trasladarla hasta la leñera del domicilio que se encuentra en el patio”.
“Ahí la menor estaba con vida pero inconsciente. El imputado roció su cuerpo con combustible y le prendió fuego, para luego quemarla en un tiempo indeterminado y posteriormente la enterró en un foso en un mismo lugar”, finalizó.
El imputado fue acusado de homicidio calificado con alevosía y se encontrará en prisión preventiva los 6 meses que dure la investigación del caso.
EL AMOR POR EL CLARINETE DE FLORENCIA
La brutalidad del crimen remeció al país y a Isabel (su amdre), que participó ayer de un homenaje a Florencia en la catedral de Coyhaique y que la recuerda como una chiquilla talentosa, pero sobre todo disciplinada.
- Ella toca hace dos años clarinete…O sea, tocaba. Es difícil acostumbrarse a que ya no va a estar. Llegó a la orquesta porque su hermana, Martina (12) también perteneció al programa “Tocando Sueños” como chelista, hasta que en sexto básico se fue. Siempre participó en todas las actuaciones, los seminarios. Era respetuosa, con una alegría de vivir que ahora creo que era inexplicable. Uno se siente culpable por no haber previsto nada. Ella era buena alumna, brillante en todas las asignaturas, era regalona, le gustaba correr. De verdad era una niña feliz.
Anoche su profesor de instrumento, Felindo Osses, tocó en homenaje a Florencia “Más cerca de ti, Oh Dios”. La pieza la había interpretado con la pequeña en más de una ocasión. Ayer casi no pudo terminar. Está quebrado.
- Florencia con su sonrisa iluminaba todo el salón. Nunca peleaba con sus compañeros, era tranquila, una buena niña, no merecía sufrir. Nunca hubo ninguna alerta de que algo malo le estuviera pasando, nada. Siempre sonreía con sus ojos pequeñitos. Causaba mucha ternura. Uno no puede entender que exista gente tan mala, relata.
El cuerpo de Florencia hoy está siendo periciado en el Servicio Médico Legal en Santiago.
LA INVESTIGACIÓN
Ante el Ministerio Público, el asesino confeso, Christian Soto García aseveró que no recordaba todo lo que había ocurrido, que se acostó en la cama de la pequeña y despertó con la sensación de haber hecho algo muy malo.
Según explica el fiscal Salgado, se están desarrollando todas las diligencias para corroborar las presunciones fundadas sobre la culpabilidad de Soto García.
Salgado detalla que en su declaración, el hombre entregada antecedentes del crimen, pero que consultado por aspectos puntuales de la etapa previa al asesinato “prefiere no recordar”.
Además explicó que la pena solicitada para el padrastro de Florencia es un delito de 15 años y un día en adelante, “eso se va resolver al momento del término de la investigación”. También aclaró que hasta ahora no se conocen antecedentes de denuncias de violencia intrafamiliar en contra de Soto.
El caso de Lucía Pérez no deja de conmover e impactar a una sociedad que pide a gritos mayores medidas de seguridad para las mujeres, sobre todo en adolescentes o menores de edad. La semana pasada, la joven de 16 años fue drogada, violada, torturada, empalada y asesinada en una casa ubicada en Racedo 4825. Los abusos y la brutalidad del acto le provocaron un ataque al corazón.
Por el caso fueron detenidos tres hombres: Matías Farías (23), Juan Pablo Offidani (41) -hijo de un conocido escribano de la ciudad- y Alejandro Maciel, quien tiene 61 años y se lo considera cómplice. De esta manera, la fiscal María Isabel Sánchez deberá investigar cómo piensan estos tres hombres y qué los motivó a provocar semejante acto.
En ese marco, el Dr. Enrique De Rosa, quien definió el perfil de los asesinos y los diferenció de un psicópata. “Yo no usaría la palabra psicópata, sino que los definiría como sujetos perversos que gozan con el dolor y la destrucción del otro. Que el fin no es tener sexo, sino que lo es el sometimiento de la víctima”, explicó.
Dr. Enrique de Rosa, un análisis demoledor
“Cuanto más vulnerable es la víctima, el sujeto perverso genera más sadismo. El fin acá no es el sexo, sino que lo es el sometimiento y el sadismo. Por eso lo del empalamiento. La víctima es un objeto de descargas perversas, sádicas. Estos tipos son seres perversos, no hay ninguna norma externa que ellos mismo entiendan que los limite”, reconoció el psiquiatra.
Juan Pablo Offidani, uno de los acusados
El sábado 8 de octubre, Lucía Pérez falleció en Mar del Plata, en la sala sanitaria del barrio Playa Serena. La fiscal de la causa, María Isabel Sánchez, denunció que la joven fue sometida a "una agresión sexual inhumana" y que su muerte se produjo por un "excesivo dolor" que le produjo un paro cardíaco, luego de un atroz "empalamiento" por vía anal.
A partir de esto, el Dr. De Rosa se refirió al modus operandi de estos tres hombres y aseguró que estos actos “son mucho más complejos” que otros asesinatos. “Estas personas participan de fiestas con menores, con chicas vulnerables, que ellos consideran presas fáciles, las cuales no tienen capacidades de defensa”, detalló el especialista.
En ese sentido, aclaró que “hay un tema en Mar del Plata que refiere al incremento de consumo de drogas y marginalidad de chicos y adolescentes que no están insertados en actividades sociales” y agregó: “Al no ver una norma externa o un freno externo, todas las fantasías internas que tienen, liberadas con otro desinhibidor que es la droga, provocan un coctel explosivo”.
La joven era aficionada al arte
“Si yo tengo un núcleo perverso, una persona vulnerable, tengo todas las facilidades, no tengo un freno social ni químico, en alguna medida todo puedo pasar”, relató el Dr. De Rosa. Según la fiscal, Lucía había sido drogada previamente con cocaína, de manera tal que luego no estuviera en condiciones de defenderse ni mucho menos evitar el brutal final.
“Esto no es una enfermedad. La perversión es una estructura de la personalidad. El psicópata es un gran paraguas que envuelve a cualquier sujeto que tiene un desprecio por el otro, pero estos tipos son perversos. Son aquellos que consiguen el goce de una forma que no es la convencional y son sádicos en la medida de que el goce es logrado por el sometimiento del otro”, puntualizó.
Por último, y a la hora de revelar cuáles son las claves o para definir o, de alguna manera, entender el accionar de esta clase de personas, De Rosa fue muy claro: “Son sujetos que planifican, que dejan a la chica en la sala de guardia. No lo hacen por cuestiones de bondad, sino para cubrirse ellos. No hay otra forma que no sigan haciéndolo que no sea el freno social”.
María Isabel Sánchez, la fiscal de la causa
De esta manera, el especialista reconoció que “no hay ningún límite que los contenga ¿Cuáles son esos límites? Algunos internos, como los insultos por un tema de educación, otro es el tema de las drogas y la última es la ausencia del marco donde el sujeto cree que es impune”.
Lucía tenía 16 años, cursaba el quinto año en la Escuela Media N° 3 de Juan B. Justo al 600, le gustaban los animales y era aficionada al arte.
El documental "Calles Caminadas", de Eliana Largo, trae a la mesa situaciones que viven las mujeres aún hoy en día. Así lo develó el diálogo que surgió a partir de su exhibición en el marco de la muestra "Nos/otras. En la calle, en la casa y en la cama".
El audiovisual recorre -a través del testimonio de mujeres de distintas generaciones- parte de la historia del movimiento feminista en Chile, desde comienzos del siglo XX hasta los primeros años de los 90'. Una participación que muestra como las mujeres impulsaron cambios sociales, políticos y culturales, y el rol que tuvieron en los procesos de democratización. "El feminismo aún no es entendido. Se dice que está pasado de moda, y eso no es entender nada", manifestó la realizadora. Asimismo, expresó - con cifras en mano- como las desigualdades de género se insertan en un país patentemente inequitativo.
Las primeras entrevistas que aparecen son las de mujeres que fueron parte del Movimiento Pro Emancipación de la Mujer Chilena (MEMCH), las cuales revelan la actualidad de algunas discusiones: "El año 35' el MEMCH hablaba de temas que son propios de género. O sea, hablar del aborto, del control de la natalidad y del divorcio son discriminaciones derivadas del tema de género, son construcciones sociales", declaró en el documental Eliana Bronfman, abogada, quien estuvo en esta organización y conoció a su fundadora Elena Caffarena.
Más adelante "Calles caminadas" aborda el papel de las agrupaciones de mujeres en la Unidad Popular y su oposición a la dictadura cívico-militar. Testimonios diversos que dan cuenta de las contradicciones y complejidades entre la militancia política y la lucha feminista. En ambos períodos las mujeres vieron sus propias demandas subordinadas a otras, ya sea la revolución y justicia social, o la resistencia y lucha por la democracia.
El séptimo disco de Against Me! parece ser una continuación directa de “Transgender Dysphoria Blues” (2014), el álbum que situó a Laura Jane Grace como líder transgénero de la banda de Florida.
Siguiendo sus declaraciones de 2012, donde reveló su identidad de mujer trans, aquella autobiográfica placa era a la vez un manifiesto de intenciones y un statement de autoafirmación. Hoy, en “Shape Shift With Me” -que se traduce como “cambia de forma conmigo”- Laura enfrenta la vida a través de este prisma, e invita a hacernos partícipes de su visión particular del amor y lo interpersonal.
La banda, igualmente abrazando su propio cambio morfológico, ocurrido en las sesiones del disco anterior, tiene nuevamente a Atom Willard en la batería e incorpora en el bajo a Inge Johansson, cuya labor se había anunciado en el en vivo “23 Live Sex Acts” (2015). Willard y Johansson, precisamente, son los elementos centrales en esta nueva placa, y en ‘Pro Vision L-3’, propulsan a Grace en su arremetida contra la vigilancia gubernamental. Irresistibles, ‘Boyfriend’ (compuesta junto a Cody Votolato, de los Blood Brothers) y ‘Crash’, son puntos altos de los primeros veinte minutos, certeros tracks llenos de frescura y arrebato, y es que el secreto del flujo persistente de la placa radica esencialmente en su fragilidad y en su sinceridad.
Con el discurso completamente revelado, de forma radical en “Transgender Dysphoria…”, la líder, ya liberada, se dedica ahora a asentarse en su nueva piel, y se mueve en ella sin necesidad de justificarse. Por supuesto, construir un disco similar, después de todo lo dicho, sería completamente redundante. Aquél status automático de ícono transgénero que los medios le otorgaron -en justa medida- podría haber sido una pesada carga abalanzándose sobre Grace, y sin embargo, la banda supo dejar la urgencia declarativa de lado, permitiendo que ‘Norse Truth’ y ‘Delicate Petite And Other Things I’ll Never Be’ emergieran, y pudieran brillar como lo que son: simplemente canciones eficaces, directas, llenas de ganchos y cargadas de angustia sentimental. Cuando estás cómodo contigo mismo, no necesitas nada más.
NOFX es una banda californiana de punk rock formada en 1983 por Fat Mike (Mike Burkett), Erik Sandin y Eric Melvin, a los que en 1992 se unió El Hefe.
La banda alcanzó una gran popularidad en 1994 con su álbum Punk in Drublic, que fue disco de oro alcanzando la fama internacional.
NOFX ha publicado 13 discos de estudio, 15 EP y bastantes sencillos. Han vendido cerca de 6 millones de copias en todo el mundo de manera independiente y sin que su música sea pasada en radios ni televisión, dando entrevistas sólo a medios independientes.
Invitamos a toda la comunidad a solidarizar con la pronta apertura de un espacio social autogestionado en una población antofagastina, disfrutando de una grata jornada familiar, la que contará con proyección de documentales, venta de deliciosas comidas (vegetarianas y veganas), bebestibles, música en vivo y otras expresiones artísticas.
Todo lo recaudado será destinado a levantar este proyecto que contará con biblioteca, talleres y más iniciativas. Agradecemos también donar libros, folletos, documentales, películas u otro material educativo que pueda ser útil para la biblioteca.
Aporte sugerido: $500
¿Dónde?: Sede Población Los Pinares. Iquique #7019. Esquina Victoria.
¿Cuándo?: Sábado 15 de octubre desde las 15hrs.
¡Venga a solidarizar, compartir e intercambiar ideas!
Por primera vez en la historia del Nobel de Literatura, la gente no correrá a las librerías sino a las tiendas de discos. Cuando la secretaria de la Academia Sueca Sara Danius ha pronunciado el nombre, han retumbado todos los cimientos. Bob Dylan (1941, Duluth, Minnesota), premio Nobel de Literatura.
La sorpresa en los mundos de las letras y la música solo puede ser comparable a la que seguro ha sido una legendaria, hipnótica, imbatible sonrisita pícara del galardonado al enterarse, perdido como siempre en su gira interminable alrededor del mundo, al margen del mito. Era el eterno aspirante, así como un recurrente chiste entre los más escépticos y, sobre todo, más ortodoxos. ¿Un músico, cuya única obra en prosa fue un fracaso, cosechando el mayor de los premios literarios? Imposible. Pero lo imposible –y vivir a contracorriente- es lo que mejor se le ha dado a este compositor que cambió como nadie el concepto de canción popular en el siglo XX, añadiendo una particular dimensión poética a la música cantada. Y tan importante como ese determinante hecho: su influencia, reconocida por los Beatles, los Rolling Stones, Bruce Springsteen y cualquier icono del rock y el pop que venga a la cabeza, no ha hecho más que crecer a medida que ha pasado el tiempo. Ahora, con este premio, y tras haber recibido antes el Pulitzer o el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, la onda expansiva da para otro siglo.
El bing bang comenzó a principios de los años sesenta, cuando un Dylan chaval abandonó su pueblo de Minnesota para trasladarse a Nueva York con el fin de dedicarse a la música y conocer en persona a su ídolo musical Woody Guthrie. Provisto de una gorra y una guitarra acústica, incluso inventándose parte de su biografía, recaló en Greenwich Village, el bohemio barrio de Manhattan poblado de cafés y clubes donde conoció ya la palabra afilada de los combatientes cantautores Pete Seeger, Ramblin' Jack Elliott o Dave Van Ronk. Componía a partir del contacto con ellos pero también de la poesía de los surrealistas franceses, especialmente de Arthur Rimbaud, y devorando la prensa diaria, que le daba combustible para esas primeras canciones que cambiaron la cara del folk norteamericano y le dieron un carácter contestatario sin renunciar al aspecto poético. Composiciones como Blowin’ in the wind, Masters of War, The Times They Are a Changing, A Hard Rain's a-Gonna Fall, Mr Tambourine Man o Chimes of Freedom llegaron al corazón de la generación de los sesenta, donde se fraguó la contracultura. “Venid senadores, congresistas, por favor oíd la llamada, / y no os quedéis en el umbral, no bloqueéis la entrada, / porque resultará herido el que se oponga, / fuera hay una batalla furibunda, / pronto golpeará vuestras ventanas y crujirán vuestros muros, / porque los tiempos están cambiando”, cantaba en 1964 con su voz nasal en The Times They Are a Changing, anticipándose al revuelo social y político de Norteamérica.
Fueron en esos primeros sesenta, en su tránsito diario de trovador por Greenwich Village, cuando conoció a los poetas beat. Aquello determinó aún más su visión literaria, a la que impregnó de una fuerza contracultural más incisiva, repleta de instinto y mordiente. Se relacionaba con Jack Kerouac, Neal Cassady, William Burroughs, Herbert Huncke, John Clellon Holmes o Allen Ginsberg, pero aún más importante: había vasos comunicantes. Dylan se fijaba en ellos, pero ellos veían en él al portavoz generacional, sorprendiéndose de su capacidad de captar la agitación, la desorientación, los desamparos y los ideales de aquellos convulsos sesenta. Con sus más de seis minutos de canción, rompiendo en 1965 el molde de single y reventando el concepto de radio comercial, Like a Rolling Stone conquistó el territorio de la ruptura generacional de los sesenta, más que cualquier novela, obra de teatro o película. Como dijo el poeta estadounidense David Henderson, no se trataba de una canción, sino de “una epopeya”.
Acababa de empezar la epopeya de Dylan, que abandonó el folk por el pop, maravillado por el ímpetu desenfadado y juvenil de los Beatles, los Rolling Stones y toda la tropa británica que desembarcó con un éxito monumental en EE UU. Con su sonido circense, de folk-blues-rock acelerado, sin olvidar esas baladas al piano, los álbumes Highway 61 Revisited y Blonde on Blonde elevaron a la música popular a lo más alto del universo cultural. Allí donde antes había un chaval folkie lanzando dardos surgía un merodeador que documentaba las emociones de la extraña realidad.
Según ha declarado con exageración el poeta chileno Nicanor Parra, solo por tres versos de la canción Tombstone Blues, incluida en Highway 61 Revisited, se merece el Nobel. Son los versos: “Mamá está en la fábrica / no tiene zapatos / papá está en el callejón / está buscando un fusible / yo estoy en las calles /con el blues de Tombstone”. “Es realismo real, con la fábrica, el callejón y la cocina, donde está el niño solo con los blues", ha dicho Parra. A decir verdad, son muchos más los versos, que abren imágenes como ventanas a otros mundos posibles y que se recogen en esos dos discos esenciales para el desarrollo intelectual del rock. Esas obras, publicadas entre 1965 y 1966, sirvieron de guía fundamental para los Beatles, los Beach Boys y toda esa irrepetible generación del pop y el rock que protagonizó el siglo XX con sus canciones. Y, sin embargo, fue en esos años cuando, aupado por su propio entusiasmo compositivo y su fama, publicó su única novela Tarántula, una pifia de literatura experimental muy por debajo de toda su obra musical. Está claro que el comité del Nobel no ha tenido en cuenta el aspecto narrativo de Dylan a partir de su único libro, en el que intentó emular en prosa poética a Kerouac, Burroughs o Ginsberg.
El propio Allen Ginsberg fue el que más defendió su obra como un legado literario influyente, que a día de hoy se estudia en algunas universidades y tiene varios ensayos de análisis. De hecho, las primeras noticias acerca de la candidatura de Dylan al Nobel empezaron a llegar en 1996 cuando se organizó en Estocolmo un comité de campaña, apoyado por Ginsberg y Gordon Ball, profesor de la Universidad de Virginia. Ginsberg afirmaba: "Dylan es uno de los más grandes bardos y juglares norteamericanos del siglo XX y sus palabras han influido en varias generaciones de hombres y mujeres de todo el mundo”. Y Ball, por su lado, escribió: “Dylan ha devuelto la poesía de nuestra época a su transmisión primordial a través del cuerpo, revivió la tradición de los trovadores”. Un buen ejemplo de todo esto es un disco como Blood on Tracks. Para explicarse todas las grietas sentimentales del amor, uno puede leer los relatos De qué hablamos cuando hablamos de amor de Raymond Carver, pero también puede coger este álbum de diez composiciones y bucear en sus letras para dar con huellas emocionales que explican los sinsabores del alma humana.
En las últimas dos décadas, Dylan, como siempre pero más que nunca, ha huido de su propio mito, como bien demostró en sus memorias Crónicas, un fabuloso libro lleno de trampas que no tiene nada de autobiografía al uso y sí mucho de literatura, en ese repaso desordenado y fascinante a algunos recuerdos de su vida. En este tiempo, no quiere saber nada de su influencia imponente en la música popular contemporánea o en las letras norteamericanas. No quiere detenerse ni un segundo en preguntarse si es tan valioso para la cultura y el arte como Picasso o John Ford, tal y como no se cansan de decirle. En estas dos últimas décadas, también muchos detractores le han situado en el ocaso de su carrera, lejos de esos años dorados de bardo divino. Pero, en todo este tiempo, realmente, el veterano compositor ha dado frutos conmovedores en discos como Time Out of Mind, Modern Times, Love and Theft o Tempest.
A partir de una melancolía sonora que bucea en las raíces del folk, el gospel o el country, ha creado un universo repleto de símbolos del pasado y evocaciones. La historia norteamericana llegando hasta nuestros días se despliega a través de postales ocres, repletas de personajes anónimos que podrían poblar las novelas de Philip Roth, Richard Ford o Cormac McCarthy en ese retrato espiritual del envés del sueño americano y del imparable paso del tiempo. “Ningún hombre, ninguna mujer sabe / la hora en que llegará el sufrimiento / En la oscuridad escucho la llamada de las aves nocturnas… El sueño es como una muerte temprana”, canta Dylan con voz arrastrada en Workingman’s Blues #2. “Reúnete conmigo al final, no te retrases / Tráeme mis botas y zapatos / Puedes rendirte o luchar lo mejor que puedas en primera línea / Canta un poquito este blues del trabajador”, dice el estribillo.
Esquivo e imprevisible, Dylan hace historia al ser el primer músico que consigue el premio Nobel de Literatura. Ya en 1965, cuando la prensa norteamericana le calificaba del gran poeta de su tiempo, el músico decía: “No me llamo poeta porque no me gusta la palabra. Soy un artista del trapecio”. Durante más de medio siglo, su paso por el trapecio ha sido un irrepetible ejemplo para otros muchos más artistas y personas de todo el mundo que reconocen una deuda con sus letras, con su visión del mundo. Bruce Springsteen dijo una vez: "Si Elvis Presley liberaba tu cuerpo, Bob Dylan liberaba tu mente". Esa capacidad, al alcance de los mejores creadores, es esencia misma de la mejor literatura, de la más trascendente y admirable obra artística.
Bob Dylan, premio Nobel de Literatura. Han retumbado los cimientos, como esa guitarra eléctrica, órgano Hammond, baqueta sobre la caja de la batería y voz punzante acopladas hicieron retumbar el mundo hace más de medio siglo con la arrolladora Like a Rolling Stone, un torrente literario que no deja indiferente. Bob Dylan, premio Nobel de Literatura. El secreto está en las canciones. Allí el trapecista Dylan ha conseguido lo que parecía imposible: que un músico gane el premio más prestigioso de la literatura mundial. Eso sí, que nadie espere que, a diferencia del resto, esto le va a cambiar la vida. Dylan seguirá a lo suyo, en su trapecio, con su sonrisita épica, intentando contarnos cómo sopla el viento.
Una oleada de reacciones y en uno de los temas más comentados durante el fin de semana largo, se transformó la visita que realizó el empresario Andrónico Luksic al Colegio San Luis de Antofagasta, para sostener un encuentro con estudiantes y autoridades académicas del mencionado establecimiento educacional.
Luksic, quien fue alumno del establecimiento cursando allí su enseñanza básica, estuvo presente en el plantel educacional el pasado miércoles 5 de octubre, oportunidad en la cual “Se reunió con un grupo de estudiantes a quienes en un diálogo con mucha honestidad y transparencia relato episodios de su vida como la ascensión al monte Everest, sus comienzos en las empresas, sobre su familia, los controvertidos casos judiciales en los que está involucrado, entre otras materias“, según indica el Colegio San Luis en su página de Facebook.
“No eludió ningún tema, pero lo más importante, fue testimoniar en sentidas palabras, que para su vida Dios ha sido su fuerza y motor. Y que fue el San Luis el que marcó para siempre ese camino“, añade la publicación del establecimiento, titulada “Exitoso empresario se reunió con estudiantes“.
MOLESTIA DE EX ALUMNOS
Fue precisamente esta apreciación la que generó mayores comentarios entre alumnos y ex alumnos del colegio, que criticaron la visita por considerarla ajena a los valores y principios del establecimiento educacional.
“El 2014 la generación del 4to medio salimos a marchar contra el galpón, cuestión con la que él está directamente involucrado y tiene harta responsabilidad y creo que ese es el camino que el colegio debería reivindicar. A mi me gustaría que el colegio llevara más en alto nombres como los de Andres Sabella y otros luchadores sociales que no se han enriquecido a costa de humillaciones e injusticias en nombre de Dios“, expresó el ex alumno sanluisino Hugo Addison-Smith.
Por su parte Soledad Flores expresó su molestia indicando que “como familia nos sacamos la cresta y hasta dejábamos de comer para pagar las mensualidades, pero sabíamos que era por un bien mayor, porque el colegio tenía a grandes referentes, entregaba valores y principios como la solidaridad y la humildad, el de luchar contra lo injusto y por lo igualitario, el del compromiso por una sociedad distinta y mejor, pero ahora me decepciono al ver como las nuevas autoridades se muestran orgullosos de lo que están haciendo con el colegio y el proyecto educativo, elitizándolo, transformándolo en uno profundamente competitivo e imponiendo a referentes terribles como Luksic“.
En tanto Jorge Olivos manifestó que “como ex alumno del Colegio San Luis siento profunda vergüenza de la publicación, que indica “exitoso empresario”. Andrónico Luksic representa todos los valores que en el Colegio San Luis juré combatir: la corrupción, la ambición, la injusticia (...) No se puede hacer acción social en trabajos de fábrica, apostolados, trabajos de verano y después recibir tan campantes al Sr. Luksic. El Padre Alberto Hurtado decía que la injusticia social trae más males de los que puede reparar la caridad, y el Sr. Luksic es la fuente misma de la injusticia en Chile“.
No obstante entre las mayoritarias críticas también hubo algunos comentarios aprobando la visita de Luksic al que fuera su colegio, como es el caso de José Manuel Correa, quien escribió: “Aplaudo al colegio por llevar a Andrónico Luksic y pedirle una charla… Cuando yo fui alumno del colegio recuerdo que una de las tantas charlas que tuve y que agradezco mucho fue con Ricardo Claro, ex dueño de Mega vinculado en piñeragate, activo empresario en la dictadura, un personaje nefasto. Y le agradezco mucho porque me permitió ver una realidad que no compartía ni comparto. Y me permitió entender y generar argumentos sobre las cosas que no quería hacer en mi futuro“.
¿Acaso hubo exploradores que descubrieron el Nuevo Mundo mucho antes que Cristóbal Colón el 12 de Octubre de 1492?
No menos de una docena de culturas hablan de los viajes de estos aventureros, pero no leemos sobre ellos en nuestros libros de historia. Este documental explora la posibilidad de que los chinos, los japoneses, los polinesios, los noruegos, los galeses, los irlandeses y los hebreos antiguos llegaron antes que Colón a las Américas.
Reconstruiremos sus barcos, trazaremos las rutas, probaremos sus artefactos y analizaremos evidencias para descubrir finalmente uno de los más grandes misterios de todos los tiempos: ¿Quién Descubrió América?
Al escuchar “Skeleton Tree”, el décimosexto álbum de Nick Cave & The Bad Seeds, es inevitable pensar en “Blackstar”, el bendito y a la vez condenado último trabajo discográfico del fallecido David Bowie.
Entregarse a la inexorable labor de dejarse invadir por este torrente de electricidad, de fragilidad y de resonancia, es decidirse a habitar en la cabeza de Nick durante cuarenta minutos, en una experiencia claustrofóbica, inescrutable y ominosa a la vez, como si fuésemos uno de aquellos patéticos peregrinos que vieron el mundo a través de John Malkovich en el clásico film de Spike Jonze.
Cruzando aquel negro umbral de hacer clic, presionar el botón de play en el CD player, o simplemente de dejar caer el brazo en el primer surco, la desolación es instantánea. “Caíste del cielo y te estrellaste en un predio, cerca del río Adur”, narra Cave, sobre un perturbador drone reverberante en ‘Jesus Alone’, automáticamente situando el trágico y mortal accidente de su hijo Arthur, en Ovingdean Gap, Brighton, a mediados de julio del año pasado. Desde hace más de treinta años, las historias macabras del autor de “Murder Ballads” (1996), obras sin parangón en el bestiario de letristas del rock, con sus entes abominables, desequilibrados y plagadas de desenlaces salvajes, siempre se mantuvieron recluidas en una zona de seguridad, lejos del mundo personal.
Sin aclarar realmente cuántas composiciones preceden al incidente, y cuáles fueron escritas con posterioridad, el tono homogéneo de la placa, hace ineludible preguntarse por la génesis de cada una de las composiciones. En la primera y minimalista mitad de “Skeleton Tree”, la voz de Cave, opta por transitar desnuda a través de parajes de sobrecogimiento cinemático, quebrándose al punto de eludir la rítmica en ‘Rings Of Saturn’ y ‘Girl In Amber’, o dosificando explícitas confesiones post traumáticas en ‘Magneto’ (“las ganas de matar a alguien eran abrumadoras”). Al inicio del lado dos, ‘Anthrocene’, vierte destellos de apocalipsis sobre un beat de jazz experimental, aludiendo al impacto violento de la actividad humana en el planeta, con la cualidad narrativa de cada timbre exponenciando las visiones desoladas. Un track impresionante, donde la labor fundamental de Warren Ellis como soporte de Cave es simplemente soberbia.
Reservando la melodía para los tracks finales del disco, el atribulado single ‘I Need You’, cuya letanía invoca a la esposa, Susie Bick, es un lamento por aferrarse al ser amado en medio de la devastadora pérdida (“Los largos autos negros esperando, te extrañaré cuando te vayas, cuando te vayas para siempre, porque nada más importa”). ‘Distant Sky’, un hermoso dúo junto a Else Torp, y el track homónimo, cierran el disco en espera de redención. “Nada es gratis, y todo está bien ahora”, canta Cave, dejando el sondeo por significado en cada una de las palabras, proseguir ad eternum, repercutiendo y taladrando en cada uno de los convocados a escucharle. En el documental de 2014, “20.000 Days On Earth”, el hombre del traje negro pregunta: “¿Sabes cómo se escribe una canción? Escribir canciones se trata de contrapunto. El Contrapunto es la clave. Poner dos imágenes dispares juntas entre sí, y ver qué sucede.” Mitad premonición, mitad elegía, el irrevocable destino de “Skeleton Tree” no podría ser otro que la posteridad. Una magistral y sensible plegaria para dejar que entre el amor.
The Beatles fue una banda de pop/rock inglesa activa durante la década de 1960, y reconocida como la más exitosa comercialmente y críticamente aclamada en la historia de la música popular.
Formada en Liverpool, estuvo constituida desde 1962 por John Lennon (guitarra rítmica, vocalista), Paul McCartney (bajo, vocalista), George Harrison (guitarra solista, vocalista) y Ringo Starr (batería, vocalista). Enraizada en el skiffle y el rock and roll de los años cincuenta, la banda trabajó más tarde con distintos géneros musicales, que iban desde las baladas pop hasta el rock psicodélico, incorporando a menudo elementos clásicos, entre otros, de forma innovadora en sus canciones.
La naturaleza de su enorme popularidad, que había emergido primeramente con la moda de la «Beatlemanía», se transformó al tiempo que sus composiciones se volvieron más sofisticadas. Llegaron a ser percibidos como la encarnación de los ideales progresistas, extendiendo su influencia en las revoluciones sociales y culturales de la década de 1960.
Lista de Temas:
01. Twist And Shout (Live / Remastered)
02. Shes A Woman (Live / Remastered)
03. Dizzy Miss Lizzy (Live / Remastered)
04. Ticket To Ride (Live / Remastered)
05. Cant Buy Me Love (Live / Remastered)
06. Things We Said Today (Live / Remastered)
07. Roll Over Beethoven (Live / Remastered)
08. Boys (Live / Remastered)
09. A Hard Days Night (Live / Remastered)
10. Help! (Live / Remastered)
11. All My Loving (Live / Remastered)
12. She Loves You (Live / Remastered)
13. Long Tall Sally (Live / Remastered)
14. You Cant Do That (Live / Bonus Track)
15. I Want To Hold Your Hand (Live / Bonus Track)
16. Everybodys Trying To Be My Baby (Live / Bonus Track)
Cada álbum de Wilco siempre promete una sorpresa, eso bien lo sabemos. Tal como fuera lo de la publicación hace un tiempo de “Star Wars” (vaya título) que estaba lleno de un feroz ajetreo de guitarras psicodélicas, este reciente “Schmilco” representa a su vez un cambio total de estilística musical sino lírica de parte de los de Chicago.
